Надя Колдаева (род. 1987, Москва) — художница и кураторка в поле фотографии. Выпускница магистратуры Музея «Гараж» х НИУ ВШЭ. Студентка ИСИ Иосифа Бакштейна и Академии Fotografika, участница лабораторий Garage Digital и «Фотооснова» в Центре художественного производства «Своды» при ГЭС-2. В 2026 году участвовала в Salzburg International Summer Academy of Fine Arts.В своих исследованиях рассматривает фотографическое изображение как точку видимости различных культурных практик, пространство памяти и визуальной повседневности. Художница обращается не только к изображениям, но и к технологическим, идеологическим и культурным структурам, которые определяют их производство, распространение и режимы видимости. Финалистка II Международной биеннале «Искусство будущего» (Мультимедиа Арт Музей, 2026), вошла в шорт-листы и представляла свои работы на международных фестивалях PhEST (Италия), VAiF (Греция) и Encontros da Imagem (Португалия). Также участвовала в выставках в Мультимедиа Арт Музее, Музее-усадьбе «Архангельское», в галереях PENNLAB и Sistema, галерее 5020 (Австрия) и других. Была представлена на ярмарках Cosmoscow (2025, 2026) и Blazar (2026). Работы находятся в коллекциях Мультимедиа Арт Музея и VAiF (Греция).

О работе
Онлайн-платформа TEO by Cosmoscow представляет специальный лот Нади Колдаевой из проекта «Набор поверхностей разной степени привлекательности». Художница исследует, как представления о теле формируют практики саморепрезентации: что мы фиксируем, корректируем и исключаем из поля видимости. Обращаясь к архивам повседневной мобильной фотографии широкого круга респонденток, она находит «забытые» образы тела — неудачные ракурсы и жесты, редко предназначенные для чужого взгляда.Стеклоблоки искажают изображение и не дают рассмотреть его до конца, но одновременно становятся стеклянной броней, защищающей уязвимый отпечаток тела.

Виталий Тюрлик (род. 1988, Москва) — художник и архивист. Окончил историко‑архивный факультет РГГУ и с 2010 года работает в архивах учреждений культуры; сейчас заведует архивом одного из московских театров.
В своем творчестве Тюрлик работает с разными материалами и техниками: использует текстиль и ручную вышивку, занимается графикой, работает с деревом и пирографией. Участвовал в девятом сезоне «Открытых студий» ЦСИ «Винзавод», а с 2023 года является резидентом галереи Ruarts.

О работе
Работа Виталия Тюрлика «Хранилище» — часть парной выставки с Алексеем Лукой «Архивная материя» в галерее «Пересветов переулок» (2026). Проект посвящен феномену архива и важным для галереи фигурам — Бакштейну, Гундлаху, Звездочетову, Матросову, а также группе «Мухоморы».
В «Хранилище» Тюрлик с иронией переосмысляет саму идею хранения: архив превращается в овощехранилище, а его единицы — в фрукты и овощи. Так художник размышляет о хрупкости и недолговечности памяти: то, что мы стремимся сберечь, оказывается таким же уязвимым и скоропортящимся, как продукты в хранилище.

Анна Бёрч (род. 1989, Москва) — мультидисциплинарная художница. Окончила МГУ им. М.В.Ломоносова, художественное образование получила в Московской школе современного искусства и Свободных мастерских ММОМА. Исследует зоны напряжения и взаимного перехода между личным и коллективным, свободой и контролем, кооперацией и принуждением: как большие структуры становятся внутренней формой человека и как человек воспроизводит, смещает или трансформирует их. Работает с живописью, керамикой, вышивкой, печатными техниками и инсталляцией. Живет в Москве, ее работы находятся в частных коллекциях в России, Франции и США.

О работе
Работа входит в серию керамических объектов, показанную на персональной выставке «Сажа бела» (Фонд Ruarts, Москва, 2025). Название выставки взято из фольклора («Как дела? – Как сажа бела»): этот оксюморон задает тему двойственности, где личные истории переплетены с историей страны, а миф, формируемый государством, — с выбором отдельного человека.
Работы серии устроены как трехслойные аппликации: перспектива фасадов сливается с краями керамических плиток, а поверх, словно занавес, дрейфуют стебли фарфоровых цветов. Типовой двор узнаваем, но лишен конкретной географии. Хрупкий фарфор, противопоставленный жесткой архитектуре, удерживает ключевой для художницы дуализм: он вечен, если его не разбить.

Яков Хомич (род. 1997, Москва) — молодой художник из творческой семьи: отец и брат — художники, а школьные годы прошли в атмосфере искусства. Начал путь в колледже музыкально‑технического искусства (окончил в 2017), сейчас учится во ВГИКе, но выбрал живопись. Переломным стал 2019 год — тогда он отказался от академических рамок и начал серию живописных экспериментов. Его стиль — эклектика: Яков соединяет разные подходы, чтобы создавать уникальное. Дебютировал в 2019 году в Москве, участвовал в Blazar (2023) и Cosmoscow (2024, 2026). Работы показывают в галереях России, Латвии и ОАЭ, их ценят коллекционеры в США и Европе, а также международные площадки (в том числе в Барселоне).

О работе
Главная тема творчества — образ ребенка: в нем художник раскрывает уязвимость и тихую силу — способность даже в непростых обстоятельствах смотреть вперед и сохранять внутренний свет. В картине «Небо» девочка смотрит вверх, прямо в небо, будто уже чувствует в себе ту самую силу, которая поможет справиться с трудностями и вырасти самостоятельной и крепкой личностью. Важная деталь работы — многослойность: полосы неба одновременно создают и передний план, и ощущение глубины. Этот прием работает как метафора надежды: она есть и вокруг, в мире, и внутри самого человека. И именно это сочетание дает опору.

Мария Сафронова (род. 1979, Ржев) — признанная современная художница, отмеченная значимыми профессиональными наградами. В 2015 году она стала лауреатом премии Сергея Курёхина в номинации «Лучшее произведение визуального искусства». Также Мария была финалисткой Премии Кандинского в 2012 году и номинировалась на неё в 2014, 2017 и 2021 годах. В 2021 году вошла в шорт‑лист премии «Инновация». В 2016 году работа Сафроновой была выбрана куратором для летнего аукциона Бостонского музея изобразительных искусств. Художница входит в рейтинг 49ART и в топ‑100 признанных художников России по версии InArt.
Произведения Марии Сафроновой представлены в крупных музейных и частных собраниях, в том числе в Московском музее современного искусства, Новосибирском государственном художественном музее, музее «Эрарта», Центре современного искусства им. Сергея Курехина, Фонде Владимира Смирнова и Константина Сорокина, а также в Музее женщин и детей в Пекине.

О работе
Работа «Бассейн «Парус» — часть проекта «Игра общего вида». В ее основе — размышление о роли игры как пространства первых личных побед и освоения мира. Еще Платон отмечал, что путь к мастерству начинается с детских игр: именно в раннем возрасте человек пробует себя в разных делах. Игра не просто развлекает — она развивает воображение, помогает преодолевать внутренние барьеры и отрабатывать модели поведения. При этом ее правила меняются вместе с обществом, но суть остаётся неизменной: игра — это площадка для взаимодействия с другими, смены ролей и поиска своего места в заданных рамках. На картине изображен мальчик, который поднимается на тумбу, чтобы прыгнуть в воду. Он преодолевает страх, черпая уверенность в том, что другие уже сделали этот шаг. Такие маленькие, но важные личные победы часто остаются незаметными для окружающих, однако именно они становятся фундаментом внутренней силы и самостоятельности.

Евгения Буравлева (род. 1980, Киров) — художница, в чьем творчестве ключевыми становятся размышления о пространстве и времени. Профессиональное образование получила в Вятском художественном училище им. А.А. Рылова (2000) и МГАХИ им. В.И. Сурикова (2008). Важным этапом становления ее художественного языка стали стажировки: в Университете искусств в Берлине (2007) и в резиденции Cité internationale des arts в Париже (2012, 2015-2017). С 2009 года Евгения — член Московского союза художников. В 2023 году стала лауреатом Московской арт‑премии, а с 2021 года входит в рейтинг 49ART. Произведения Буравлевой представлены в значимых музейных собраниях — в Русском музее, Московском музее современного искусства, музее‑заповеднике «Царицыно», а также в региональных музеях и частных коллекциях.

О работе
Работа «Полярный день» входит в проект «Эхо настоящего», представленный в SERENE Gallery в 2025 году. Её сюжет связан с интерьером гостевого дома в санатории «Изовела» в Апатитах. В работе Евгения Буравлева размышляет о зрелом взгляде на повседневный труд: с годами приходит осознание того, сколько усилий вложено в создание домашнего уюта. Картина становится выражением благодарности людям, которые обустраивают приватные, комфортные пространства. Особое внимание художница уделяет деталям, на первый взгляд малозаметным. Именно в них, по ее замыслу, воплощаются деликатное отношение к человеку, социальная чуткость и забота — тихие, но важные проявления внимания к тем, кто будет здесь жить и отдыхать.

Александр Захаров (род. 1960, Москва) — художник, чья практика соединяет традицию
и современные визуальные технологии. В 1980 году он окончил Московское художественное училище памяти 1905 года, а уже в 1982‑м был принят в молодежную секцию Союза художников СССР. В эпоху перестройки Захаров стал частью неформальной художественной среды: одним из первых обосновался в сквоте в Фурманном переулке. В конце 1980‑х подписал контракт с нью‑йоркской галереей Стюарта Леви и переехал в США, где в 1990‑е годы регулярно выставлялся в галереях Сохо. С 1998 года вновь активно работает в России. Сегодня живет и творит в Москве, Берлине и Нью‑Йорке.

Александр Захаров работает в живописи и графике, а также экспериментирует с лентикулярной печатью: он переносит живописные миниатюры в трёхмерное пространство, соединяя традиционные техники с актуальными визуальными технологиями. Центральная тема его искусства — возвращение в утраченный мир детства. В работах художника возникает особая поэтическая вселенная: её населяют фантастические персонажи — маленькие розовые медведи, куклы, крокодилы, пегасы. Они существуют на границе реальности и воображения, а память, игра и фантазия становятся основой художественного высказывания.

Аликс Валин (род. 1982) — французская художница. Окончила Школу изящных искусств в Париже и Национальную школу визуальных искусств Ла Камбр в Брюсселе, после чего полностью посвятила себя рисунку, исследуя самые разные медиумы и форматы. Валин сотрудничала с домом Cartier, брендом Diptyque, интерьерным домом Pouenat, мануфактурой Pinton и архитектурным бюро Gilles & Boissier. Она стремится стереть границы между пластическими и декоративными искусствами: рисунок для нее не только самостоятельная форма, но и «сырой материал», который воплощается в текстиле, керамике, архитектурных поверхностях.

О работе
Рисунок Валин развивается как живой организм, по своим законам: точка за точкой, слой за слоем он расширяет границы пространства, пока не охватит всю поверхность. Художница работает самыми простыми инструментами — черными маркерами трех диаметров, тушью и карандашами. В технике пуантилизма она создает объемное изображение с сильной оптической вибрацией, а абстрактные формы ставят под вопрос границу между внешним и внутренним. Крупный, соразмерный телу масштаб сталкивает и художницу, и зрителя с природой, которая превосходит человека и неподвластна его контролю. «Я не стремлюсь создать изображение — я стремлюсь уловить потоки энергии, проходящие сквозь все живое, показать невидимую реальность, от бесконечно большого к бесконечно малому», — говорит художница.

Галина Хайлу (род. 1958, Курганинск) — художница, чье творчество опирается на глубокую связь архитектурного мышления и живописного поиска. Базовое профессиональное образование она получила на архитектурном факультете Краснодарского архитектурно‑строительного техникума, который окончила в 1976 году. Параллельно в 1974-1976 годах Галина Хайлу училась и стажировалась в мастерской художницы Л. А. Букреевой — этот опыт во многом сформировал ее авторский почерк. Галина Хайлу состояла в творческих объединениях: с 2000 года — в Союзе свободных художников Кубани, в 2008–2023 годах — в Союзе художников России, а с 2023 года — в Творческом союзе художников России. В 2008 году Галина Хайлу была номинирована на Премию Кандинского, а в 2015 году получила приз зрительских симпатий Международной Новороссийской биеннале. Произведения Галины Хайлу представлены в музейных собраниях, включая музей «Эрарта», Краснодарский художественный музей им. Ф. А. Коваленко, Северо‑Кавказский филиал Государственного музея Востока и Краснодарский краевой выставочный зал изобразительных искусств.

О работах
Картина «Игра в классики» раскрывает простой, но глубокий образ: золотистый силуэт ребенка, прыгающего по клеткам, на черном фоне. По словам самой художницы, для многих детей классики становились первым естественным опытом знакомства с математикой — счет и числовые комбинации осваивались так же легко, как прыжки на одной ножке. В этом мотиве соединились игра, числа и бесконечный путь познания неизвестного.

Картина «Game over» размышляет о роли игры в жизни человека: игра — естественное состояние в любом возрасте, именно в ней закладываются первые модели коммуникации и навыки социальной адаптации. Художница акцентирует внимание на едва заметной детали — маленьком камешке, попавшем в сандалию ребёнка. Мелочь останавливает одного игрока — а вместе с ним замирает и вся игра. Этот момент подчеркивает фигура ребенка на втором плане: он закрыл глаза и будто застыл в напряжённом ожидании. Так Галина Хайлу показывает, что среда постоянно обучает человека — через маленькие задачи, из которых и складывается жизненный опыт. Но вместе с этим опытом приходит и более серьезное, взвешенное отношение к жизни.

Антон Кузнецов (род. 1973, Казань) — признанный российский художник, включённый в топ‑100 признанных художников России по версии InArt. Профессиональное образование получил в два этапа: в 2003 году окончил монументальную мастерскую МГАХИ им. В.И. Сурикова, а в 2011 году завершил обучение в Институте проблем современного искусства и Свободных мастерских ММОМА. Творческая деятельность художника отмечена значимыми профессиональными событиями: он участвовал в резиденции MuseumsQuartier 21 в Вене, был номинирован на Премию Курехина (2015), а также на Moscow Art Prize (2021 и 2025).
Произведения Антона Кузнецова представлены в ведущих музейных собраниях, в том числе в Государственном Русском музее, Московском музее современного искусства, Новосибирском государственном художественном музее, Музейном центре «Площадь Мира» (Красноярск) и Национальной художественной галерее «Хазинэ» (Казань). Кроме того, работы художника входят в частные коллекции в России, Европе и США.

О работе
В работе «Жирафы зимой» художник создает неожиданный, но гармоничный образ: африканские жирафы оказываются в зимнем русском лесу — среде, совершенно им не свойственной. При этом картина не рождает ощущения тревоги: напротив, в ней чувствуется естественность происходящего. Миграция здесь предстает как природный процесс, несущий обновление и движение. Изящные силуэты жирафов будто сливаются с высокими заснеженными деревьями — граница между животными и окружающим пейзажем становится зыбкой, почти растворяется. Композицию дополняют характерные для Кузнецова детали: мишени и вагончик. Они отсылают к образу бродячего цирка и придают работе лёгкую ноту странствия и игры, словно приглашая зрителя взглянуть на мир как на пространство бесконечного путешествия.

Варя Чельцова (род. 1996, Москва) — художница, чье творчество объединяет живопись и работу с керамикой. Художественное образование Варя получала в 2015-2017 годах в мастерской Трофимова в Московском институте бизнеса и дизайна. В 2017 году получает грант на обучение в Международной академии изобразительных искусств в Зальцбурге — этот опыт стал важным шагом в расширении ее авторского пути. В 2018 году Чельцова поступила в Академию Геррита Ритвельда в Амстердаме, где окончательно утвердилась в своём интересе к живописи. Вместе с сестрой Варя основала художественный союз cheltsoviii. В рамках этого проекта они создают керамические объекты: в них соединяются ремесленный подход и выразительная художественная роспись. Так в практике Вари переплетаются предметность керамики и живописное мышление — и каждый объект становится не просто вещью, а маленьким художественным высказыванием.

Творчество Вари Чельцовой вырастает из внимательных личных наблюдений — за природой, городской средой, культурами других народов. Художница не просто фиксирует увиденное: она пропускает пережитый опыт через призму фантазии и собственных эмоций.
В ее картинах органично соседствуют люди, животные и мотивы дикой природы. Каждое существо будто живет в собственном ярком, насыщенном мире. Пространство холста художница наполняет лаконичными символами — они свободно располагаются в композиции, не навязывая однозначных смыслов, а скорее приглашая зрителя к собственным ассоциациям.

Дмитрий Плоткин (1960, Никополь) – живописец, график, куратор, писатель и режиссер, с 1989 года член Творческого союза художников России. Его работы вошли в собрания крупных музеев, в том числе Государственного музея современного искусства XX-XXI веков в Санкт‑Петербурге, Государственного музея Карельской АССР, Государственного центра современного искусства в Москве и Музея Первого Президента Республики Казахстан в Астане. Картины Плоткина есть и в частных коллекциях: например, в собраниях корпорации «Маркон» и Марата Гельмана, а также у коллекционеров в США и Европе.

О работе
В картине «Казаки‑разбойники» Дмитрий Плоткин делает центром сюжета саму игру — и раскрывает через нее сложную природу человеческих связей. «Казаки‑разбойники» — игра особая: она одновременно учит верности, умению сплачиваться и проявлять лидерские качества, ведь состав команды каждый раз меняется. Но вместе с тем она показывает и зыбкость отношений: вчерашние соратники сегодня могут стать противниками. Так игра ставит перед участником непростой баланс: быть самодостаточным и при этом уметь подчиняться общим целям той группы, которую он выбрал.

Люся Морошкина — художница из Санкт‑Петербурга, участница объединения «Новые городские художники» (НГХ). Это социальный арт‑проект, который в 2018 году основали стрит‑артист Стас Багс и куратор Евгения Штиль: его цель — включить в современное искусство авторов с ментальными особенностями, в том числе тех, кто живет в психоневрологических интернатах или в социальной изоляции.

О работе
В своих работах Люся обращается к образам мультгероев и разных персонажей. Ее герои выходят самобытными и будто слегка «помятыми» — как будто их случайно постирали в стиральной машине: эта особенность придает им особую трогательность и узнаваемый характер. Работа Люси Морошкиной «Человек‑паук вызывает такси в ночи» — часть серии с образами супергероев, созданной в рамках проекта «Новые городские художники». Эту серию показали на выставке НГХ в РОСИЗО в 2020 году. Работы из цикла — «Бэтмен» и «Супермен» — вошли в частные коллекции.

Владимир Чернышёв (род. 1992, Нижний Новгород) соединяет в своей практике студийную работу и site-specific инсталляции. У его проектов нет «финальной версии»: работы меняются под воздействием среды, подчеркивая хрупкость и временность форм. В центре его интересов — распад, медленность и время. Чернышев смещает фокус с антропоцентричного взгляда на «мир без нас» и часто работает с найденными материалами и заброшенными пространствами, которые становятся носителями памяти. Чернышёв участвовал в «Манифесте 10» и Московской международной биеннале молодого искусства (2014), в выставках «Предпоследний человек на Земле» (Музей Вадима Сидура, 2022) и Heavy Water (2024). Финалист Премии Кандинского (2021) и премии «Инновация» (2017), лауреат грантовой программы музея «Гараж» (2017–2018). Работы художника находятся в музейных и частных собраниях в России, Германии и Великобритании.

О работе
Серия «Система координат» создана к выходу капсульной коллекции кимоно, которую художник сделал вместе с брендом LIME. Листы выполнены на копировальной бумаге: Чернышев стирает ее красящий слой из сажи и воска. Копирка позволяет переносить изображение опосредованно, как бы на ощупь, а сам процесс занимает много времени и напоминает ручную печать. Линии и пятна сажи наслаиваются в плотную темную массу, из которой проступает фрагмент неба с единственной звездой. «Линии сгиба» складываются в систему координат, похожую на географическую карту, и в ней угадывается движение вокруг мерцающего небесного тела или к нему. «Кимоно — это высказывание, предмет гардероба, ассоциирующийся с практикой и наблюдением, дисциплиной и медленностью. Всем тем, что мне важно в своей постоянной работе», — говорит Чернышёв.

Анастасия Литвинова (род. 1988, Ленинград) — художница, которая исследует возможности и уместность современной миметической живописи — это живопись, основанной на принципе мимесиса (от греч. mimesis — «подражание»): она стремится достоверно воспроизводить видимую реальность — передавать объём, свет, фактуру и детали так, чтобы изображение максимально походило на оригинал. При этом в современном искусстве миметичность — не просто копирование, а осознанный художественный выбор, который может работать и как приём, и как предмет размышления. Образование Анастасии сочетает гуманитарную базу и современную художественную подготовку: в 2011 году она окончила филологический факультет СПбГУ, а затем последовательно училась в Британской высшей школе дизайна (2017-2018), Московской школе современного искусства (2018-2020) и Свободных мастерских ММОМА (2021-2022). В профессиональной практике художница активно участвовала в значимых арт‑резиденциях и лабораториях: в 2022 году — в «Открытых студиях» ЦСИ «Винзавод», в 2023 году — в лаборатории печатных практик «Фотооснова» в пространстве «Своды» ГЭС‑2.

О работе
Работа «Зотов 2» — часть серии «Пережитки», посвященной зданиям, которые со временем сменили свое назначение. В этой серии Анастасия Литвинова обращается к бывшим производственным, административным и общественным пространствам, сегодня ставшим частью культурной среды. То, что прежде воспринималось как сугубо утилитарное и будничное, теперь обретает новую ценность — историческую и эстетическую. Художница внимательно изучает следы ремонта, износа и перестроек: через них она показывает, как вместе с архитектурой трансформируются функции, значение и восприятие пространства. По словам самой Литвиновой, она воспроизводит на холсте фрагменты стен и архитектурных поверхностей, превращая материальные следы прошлого в своеобразные портреты зданий — так в ее работах оживает память места.

Егор Плотников (род. 1980, Киров) — художник, работает как живописец и скульптор, создает паблик‑арт‑объекты и инсталляции. В 1995 году окончил Вятский гуманитарно‑художественный лицей, затем — Вятское художественное училище им. А.А.Рылова (2000). Дальнейшее профессиональное становление проходило в мастерской П.Ф.Никонова в МГАХИ им. В.И.Сурикова, которую он окончил в 2006 году — в том же году стал членом Московского союза художников. Важным этапом творческой биографии стала стажировка в Творческих мастерских РАХ под руководством С.П. и А.П.Ткачевых (2006-2010). С 1994 года Егор активно участвует в выставках и ярмарках — как в России, так и за рубежом. Многолетний выставочный опыт позволил выработать узнаваемый художественный язык, в котором сочетаются академическая основа и стремление к экспериментам с публичным пространством.

О работе
Главная тема работ Егора Плотникова — человек в пейзаже. В скульптуре «Склон» это видно особенно хорошо: люди спускаются по склону и будто сливаются с землей под ногами. Они смотрят вдаль — в тот самый пейзаж, который живет внутри каждого и к которому человек все время возвращается. Ландшафт тут не просто фон: он такой же важный герой композиции, как и сами фигуры, даже если в работе его совсем немного.

Гоша Острецов (род. 1967, Москва) — яркий представитель современного российского искусства, чье творчество балансирует на стыке арт‑практик, моды и перформанса. В 1984 году он окончил Театрально‑художественное училище при Большом театре и вошел в группу художников «Детский сад», одно из заметных арт‑сообществ 1980‑х, где активно экспериментировали с формой, костюмом и публичным действием. С 1988 по 1998 год Острецов жил в Париже, и этот период стал важной вехой в его профессиональном становлении. Там он сотрудничал с крупными именами индустрии: Жан‑Шарлем де Кастельбажаком, Жан‑Полем Готье, а также участвовал в проектах режиссера Люка Бессона. Такое пересечение с модой и кино повлияло на художественный язык Острецова. В его работах часто считываются приемы визуальной драматургии, эстетика комикса и элементы антиутопической мифологии. Произведения Гоши Острецова вошли в ведущие музейные собрания: они представлены в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Московском музее современного искусства, Музее Арктики и Антарктики, Музее сновидений Зигмунда Фрейда. Кроме того, работы художника находятся в престижных частных коллекциях — в том числе у Чарльза Саатчи, Симона де Пюри, Лоуренса Граффа и других известных собирателей. Проект «Лесные зрители» — один из самых образных у Гоши Острецова: в нем художник наделяет природные объекты почти одушевленным присутствием.

О работе
Всё начинается с поиска: Гоша Острецов находит в лесу коряги, в изгибах и очертаниях которых уже будто проступают какие‑то образы. Следующий шаг — графическая фиксация: случайная находка превращается в персонажа со своим «лицом» и характером. Встречи с этими объектами в природной среде документируются на видео: они сохраняют момент первого контакта художника с будущим произведением. Ключевой этап: тонирование коряг под бронзу. Эта простая, но выразительная трансформация придает хрупким, временным природным формам монументальность: из лесной находки коряга становится полноценной скульптурой. В итоговой экспозиции возникает особое пространство: зритель оказывается в окружении «лесных зрителей». Граница между одушевленным и неодушевленным становится зыбкой — кажется, что коряги смотрят на человека так же внимательно, как и он на них. Так проект превращается в размышление о восприятии, внимании и способности видеть образ там, где его, на первый взгляд, нет.

Евгений Тетерин (род. 1979, Ростовская обл.) — художник-скульптор, декан факультета скульптуры МГАХИ им. В.И.Сурикова, Член-корреспондент Российской академии художеств. Обучение скульптуре начал в Ростовском художественном училище им. М.Б. Грекова
(мастерская Сергея Олешни, 2005 г.). В 2011 году закончил Московский государственный академический художественный институт им. В.И.Сурикова (мастерская А.И. Рукавишникова).
По окончании награжден медалью «За успехи в учебе» президентом Российской академии художеств Зурабом Церетели. С 2009 года и по настоящее время работает в МГАХИ им. В.И.Сурикова. В 2021 году награжден Золотой медалью Российской академии художеств за скульптурные произведения «Памятник Огнеборцам Москвы» (бронза, гранит, 2018 г.) и «Памятник пожарным и спасателям МЧС» (бронза, гранит, 2019 г.). С 2013 года является членом Московского союза художников. Работы находятся в российских и зарубежных частных коллекциях.

О работе
Работа «Кентавр причесывающийся (автогруминг)» скульптора Евгения Тетерина — первая работа из серии «Кентавриада». Автор показывает, как даже могучее мифологическое существо нуждается в простых действиях, чтобы вернуть себе спокойствие. Автогруминг (самоуход) — это не просто привычка: в стрессовой ситуации такой ритуал помогает сбросить напряжение и прийти в себя. Художник специально уходит от привычного образа героического кентавра: вместо битвы — будничный жест. Мощная фигура существа контрастирует с деликатным движением руки — этот контраст и создает главный эмоциональный эффект.
втор говорит о чем‑то очень человеческом: о потребности в самоподдержке и о том, как привычные мелочи помогают справляться с волнением. В серии «Кентавриада» эта работа задает главную тему — как инстинкты и внутренние переживания живут рядом с силой и мощью.

Ольга и Олег Татаринцевы — московский художественный дуэт (Ольга род. 1967, Старая Ушица; Олег род. 1966, Баку), известный масштабными мультимедийными проектами. В их работах сплетаются живопись, графика, арт‑объекты, видео и звук. Художники ведут и совместную, и индивидуальную практику: живописная линия — за Ольгой, при этом общий вектор их творчества строится на пересечении философии, этики, истории и социально‑политической проблематики. В подходе к материалу и форме они опираются на традиции русского авангарда, соединяя их с эстетикой западного минимализма.
Ольга — член Московского союза художников с 2001 года. Олег получил образование во Львовской государственной академии искусств, с 1993 года преподает в МГХПУ им. С.Г. Строганова, а с 2004 года — доцент кафедры художественной керамики.

О работе
В объекте «Белая книга» Татаринцевых — собирательный образ книги без текста, названия и заданного содержания. Белый цвет здесь — не пустота, а пространство возможностей: каждый зритель может наполнить книгу своими историями, воспоминаниями и образами.
Превратив книгу в скульптурный объект, художники создали портрет еще не рассказанной истории — той, автором которой способен стать любой человек.

Игорь Скалецкий (род. 1978, Воронеж) — мультидисциплинарный художник, живущий и работающий в Москве, Тель-Авиве, Берлине и Лондоне.Родился в Воронеже, в 13 лет вместе с родителями эмигрировал в Израиль. В 2006 году Скалецкий принял участие в своем первом групповом проекте — выставке молодого искусства Power, прошедшей в Московском музее современного искусства. Уже тогда цель его работ была обозначена кураторами как «ассоциативный поиск на основе эмоционального переживания». Спустя еще несколько лет — в 2008 году — Скалецкий получил в Москве степень бакалавра в МГАХ им.В.И.Сурикова, в мастерской Татьяны Назаренко. В 2009 году состоялась первая небольшая персональная выставка Скалецкого в московском пространстве MEL. В последующие годы его работы были представлены на групповых и персональных экспозициях в Москве, Калининграде, Тель-Авиве, Париже, Стокгольме, а также на арт-ярмарках по всему миру, включая Арт-Базель и Арт-Пари. Излюбленной техникой Скалецкого долгие годы был цифровой коллаж с элементами живописи, который погружал зрителя в фантасмагоричный мир образов из мировой масс-медийной и классической западноевропейской культуры. Метод художника — комбинирование или противопоставление казалось бы несовместимого визуального ряда, позаимствованного из высокой и низкой культур, который в совокупности порождает новые парадоксальные, вызывающие, кричащие образы. В последнее время, начав эксклюзивно работать с Alina Pinsky Gallery, Скалецкий обратился к живописи, в которой гротеск сочетается с экспрессионистическим ярким колоритом и сюрреалистической компоновкой планов.

О работе
Работа «Прогноз погоды» выставлялась на персональной выставке Игоря Скалецкого в Alina Pinsky Gallery "Трикстер" в 2024 году. Небольшие работы создавались ещё во время учёбы в Суриковском институте, где художник получал классическое академическое образование. Это были работы на картоне — с фрагментами тогдашней окружавшей его жизни, видами из окна, портретами, рок-фестивалями, впечатлениями.

Марк Шагал (1887, Витебск — 1985, Сен-Поль-де-Ванс) — живописец, график и сценограф, один из ключевых художников XX века. Учился в Витебске в школе Иегуды Пэна, затем в Петербурге: в Рисовальной школе Императорского общества поощрения художеств под руководством Н.К.Рериха и в школе Е.Н.Званцевой у Л.С.Бакста. Первая персональная выставка Шагала прошла в 1914 году в берлинской галерее «Штурм», ретроспективы — в MoMA (1946) и Лувре (1977). В 1964 году он расписал плафон Парижской оперы, а в 1973-м в Ницце открылся Национальный музей «Библейское послание Марка Шагала». Работы художника хранятся в Лувре, Центре Помпиду, MoMA, Государственной Третьяковской галерее и других крупнейших собраниях.

О работе
«Небо влюбленных» (Le Ciel des Amoureux) — оригинальная литография, созданная в 1963 году для второго тома издания Chagall Lithographe. Лист напечатан в парижской мастерской Mourlot и выпущен издательством André Sauret в Монте-Карло. В каталоге литографий Шагала он значится под номером Mourlot 393.
Влюбленные парят над площадью Согласия в Париже: их лица сближены, а фигуры образуют диагональ, пересекающую лист. Внизу свободными энергичными черными линиями намечены фонтан и здания. Розовое небо, теплые желтые и охристые участки и зеленые акценты сочетаются с насыщенным черным рисунком. Букет между фигурами и крупный зеленый образ в верхнем углу соединяют человеческий мир с природными и фантастическими мотивами. Полет влюбленных читается как образ близости, которая преображает привычное пространство города.

Иван и Богдан Потаповы (род. 2011, Москва) — художники, братья‑близнецы. В образовании братьев важную роль сыграла мастерская их отца Потапова В.В., где они занимаются с 2017 года по настоящее время. В 2022-2024 годах они проходили обучение в мастерских Третьяковской галереи, в 2024-25 годах — в Школе современного искусства для детей «Проект.Каскад», а в 2025 году продолжили путь в школе современного искусства «ШОВ».
Творческая биография братьев‑близнецов Ивана и Богдана Потаповых берет отсчет с 2018 года. В последние годы их карьера развивается особенно активно. В 2023 году они представили персональную выставку «Пластиковая живопись» в школе №1411 и приняли участие в хэппенинге Анатолия Осмоловского «Вернисаж», где их работы вошли в главную выставку. В 2024 году братья участвовали в групповой выставке «Слабость» в галерее БОМБА (ЦТИ «Фабрика») и показали персональную экспозицию «За порогом» в той же галерее. В 2025 году состоялись две персональные выставки — «От и До» в галерее Корней в рамках проекта «Подъезды» в школе №1411. В 2026 году художники стали участниками групповой выставки «Возможно все» под кураторством Елены Ковылиной в галерее «Богородская».

Татьяна Кочанова (род. 1978, Москва) — в ранние годы из‑за проблем со слухом ей было сложно выстраивать общение — близким собеседником была бабушка. Обучение в школе‑интернате для слабослышащих детей стало важным этапом: там Татьяна постепенно научилась взаимодействовать с окружающими. Татьяна получила профессиональное образование по специальности «художник‑керамист» и освоила несколько техник — роспись под гжель, живопись маслом, графику пером и тушью. После выпуска Татьяна работала на производстве сувенирных изделий из фарфора — занималась росписью в технике «гжель». С ухудшением зрения художница сменила фокус и сейчас работает керамистом в благотворительном фонде «Творческое объединение Круг», где специализируется на лепке посуды ручной работы. В свободное время Татьяна пишет картины маслом и разрабатывает проекты с натуральными камнями.

О работе
Совместный проект Ивана и Богдана Потаповых и Татьяны Кочановой, резидента Ресурсного центра «Ясенева Поляна», раскрывает особую поэтику сотворчества. Работа создана в авторской технике братьев «Симметрия» и строится как многослойный диалог трех художников: каждый слой — отдельный голос, звучащий в общем образе. Центром композиции стал плюшевый мишка — трогательный подарок мужа Татьяне, превратившийся в символ личной истории и отправную точку для художественного поиска. Иван Потапов первым обозначил образ: широкими, энергичными мазками он выстроил фигуру в насыщенной красной гамме — яркой, почти пульсирующей. Затем, аккуратно заклеив написанное бумажным скотчем, художник оставил нетронутое поле — пространство для брата.
Так, слой за слоем, на одном холсте рождался единый образ: Богдан и Татьяна продолжили работу, вписывая свои интонации поверх предыдущего слоя. Финальный жест проекта — совместное удаление квадратов скотча — стал своего рода раскрытием тайны: под снятыми фрагментами обнажились все части главного героя, проявив сложную, переплетенную структуру работы и хрупкую красоту общего замысла. Участие в проекте и общение с художниками Иваном и Богданом подарило Татьяне ощущение причастности к художественному сообществу. Несмотря на сложности со зрением, Татьяна ощутила прилив вдохновения и теперь стремится воплотить новые идеи.

Евгения Войнар (род. 1988, Москва) — художница, чье творчество балансирует между графикой, дизайном среды и концептуальными размышлениями о памяти и времени.
Окончила МГАХИ им. В.И. Сурикова по специальности «Художник станковой графики», МГАХУ по специализации «Дизайн среды» и «Новые художественные стратегии» в Институте современного искусства Иосифа Бакштейна. Евгения Войнар участвовала во Всероссийском архитектурном фестивале BIF‑2019 в Центральном Доме архитектора в Москве и в VI Московской международной биеннале современного искусства (галерея «Беляево», 2018). В 2022 году стала лауреатом приза Haken Art Award (Group Show Award) в Великобритании. В своих работах Евгения Войнар исследует темы наследия, поиска вечности и побега от реальности. Сама художница так описывает суть своего поиска: «Это визуальные размышления о сопротивлении уходу в небытие и воспоминания о детстве, мечтах и фантазиях, которыми я наполняла реальность вокруг себя».

Татьяна Кочанова (род. 1978, Москва) — в ранние годы из‑за проблем со слухом ей было сложно выстраивать общение, близким собеседником была ее бабушка. Обучение в школе‑интернате для слабослышащих детей стало важным этапом: там Татьяна постепенно научилась взаимодействовать с окружающими. Татьяна получила профессиональное образование по специальности «художник‑керамист» и освоила несколько техник — роспись под гжель, живопись маслом, графику пером и тушью. Татьяна работала на производстве сувенирных изделий из фарфора — занималась росписью в технике «гжель». С ухудшением зрения художница сменила фокус и сейчас работает керамистом в благотворительном фонде «Творческое объединение “Круг”», где специализируется на лепке посуды ручной работы. В свободное время Татьяна пишет картины маслом и разрабатывает проекты с натуральными камнями. Важным этапом творческой биографии участницы стал благотворительный арт‑проект «На ощупь», для которого Татьяна вместе с Евгенией Войнар воплотила идею картины с кубом — работы, раскрывающей ее внутренний мир. Сейчас художница завершает картину «Мой добрый мир».

О работе
В совместной работе над диптихом Евгения Войнар и Татьяна Кочанова сумели выстроить тонкий диалог двух миров, и в этом диалоге родилась особая реальность.
В работе «Стеклянный куб. Мир Татьяны» центром композиции стал образ, наполненный эмоциями и противоречивыми чувствами. Он воплощает внутренний мир Татьяны: замкнутое пространство, где сталкиваются и переплетаются разные состояния. Евгения, внимательно слушая собеседницу, не стремилась повторить услышанное — она старалась проникнуть в этот мир, уловить его ритм и оттенки, чтобы перевести личные переживания на язык живописи. Параллельно в работе «Лесной домик. Мир Евгении» обрел очертания глубоко личный образ самой Жени — дом, куда хочется возвращаться. Он наполнен уютом и тихой надеждой и странным образом перекликается с напряженной энергией куба Татьяны Кочановой. Процесс создания картин стал не просто техническим совмещением мазков, а встречей двух двух способов чувствовать и видеть. Евгения Войнар раскрыла новые творческие горизонты для своего соавтора: рядом с ней становилось яснее, как важно доверять своему видению, как любовь к делу проявляется в каждом движении кисти.

Лена Шарганова (род. 1981, Нелидово) — художница и педагог. В 2005 году окончила Государственную академию сервиса и экономики в Санкт‑Петербурге, а в 2022‑м — отделение станковой живописи МГАХИ им. В.И. Сурикова, где сейчас преподает живопись и композицию. Профессиональное развитие Лены связано с рядом значимых образовательных программ: прохождение курса «Мастерская художественного высказывания» в Школе Родченко (2022), участие в программе «Свободные мастерские» в ММОМА (2022-2023) и в мини‑мастерской Анны Зайцевой в Школе Родченко (2025). Лена Шарганова — стипендиат Государственной стипендии для молодых деятелей искусства, резидент галерей ArtZip и Elephant in the Louvre, а также платформы TEO by Cosmoscow. В 2025 году художница приняла участие в VI Международной биеннале современного искусства Биеннале‑дель‑Сур в Каракасе (Венесуэла). Работы Лены Шаргановой представлены в частных коллекциях Дмитрия Пинского, Сергея Попова, Игоря Суханова, Екатерины и Андрея Теребениных, а также в собраниях ЦСИ «Сияние», ЦСИ «Винзавод», музея AZ и Московского музея современного искусства.

Участники Ресурсного центра «Ясенева Поляна»: Елена Можайская, Филипп Плотников, Александр Варыгин, Василиса Пускова, Галина Ушакова, Ангелина Жданова, Надежда Смирнова, Юлия Батулина, Надежда Селюкова, Тимур Хуснутдинов, Любовь Жукова, Ярослав Офицеров, Полина Лебедева, Настя Сошникова, Семен Зайцев, Лера Валышкова, Лиза Черезова, Максим Дементьев, Маша Оборотова, Николай Вокхлаков, Евгений Кузнецов

О работе
Звуковой мир слабослышащего человека выходит за пределы привычных представлений: звуки здесь не текут непрерывно, а словно мерцают, постепенно растворяясь в пространстве. В этой зыбкой тишине звук утрачивает чисто акустическую природу и обретает осязаемость. Так, в ночном саду дети держатся за руки — через тепло и прикосновение они считывают присутствие друг друга: в таком восприятии слух естественным образом опирается на тактильность. Даже колокольчики без язычков «говорят», соприкасаясь друг с другом. Движение рождает звучание, а его траектория визуализирует форму звуковой волны.

Владимир Носальский (род. 1973, Балашиха) — междисциплинарный художник, автодидакт. Работает в жанрах живописи, графики, скульптуры, арт-фотографии и пространственных инсталляций. Имеет более чем 25-летний бэкграунд в сфере production-дизайна. После длительного периода, полностью посвященного карьере художника-постановщика, в конце 2010-х годов вернулся к активной личной художественной практике. Финалист конкурса «Arte Laguna Prize», Венеция, Италия, 2019, участник «Global Conversation 2020», Штаб-квартира ООН, Нью-Йорк, США, 2020. Произведения хранятся в различных частных коллекциях и в культурной ассоциации MoCA (Италия).

Участники Ресурсного центра «Ясенева Поляна»: Елена Можайская, Филипп Плотников, Александр Варыгин, Василиса Пускова, Галина Ушакова, Ангелина Жданова, Надежда Смирнова, Юлия Батулина, Надежда Селюкова, Тимур Хуснутдинов, Любовь Жукова, Ярослав Офицеров, Полина Лебедева, Настя Сошникова, Семен Зайцев, Лера Валышкова, Лиза Черезова, Максим Дементьев, Маша Оборотова, Николай Вокхлаков, Евгений Кузнецов.

О работе
Ассамбляж «Мир разный очень» для проекта «На ощупь» — предупреждение о хрупкости и опасности мира. Поле из осколков фарфора и фаянса образует агрессивный рельеф: поверхность привлекательна, но грозит порезами — прикасаться к ней бездумно нельзя.
Смысловой центр — текст азбукой Брайля, намеренно «сломанный»: керамические полусферы вручную создали слепоглухие подопечные центра «Ясенева Поляна». Индивидуальность каждой точки разрушает «идеальный» индустриальный код, превращая информационный знак в чувственную ткань. Прикосновение здесь — не способ познания, а риск: читать текст приходится медленно, нередко с помощью другого человека. Работа говорит о том, что мир разнороден и непрост, а существовать в нем можно лишь через взаимную поддержку и бережное взаимодействие.

Мария Сафронова (род. 1979, Ржев) — признанная художница, отмеченная значимыми профессиональными наградами. В 2015 году она стала лауреатом премии Сергея Курехина в номинации «Лучшее произведение визуального искусства». Также Мария была финалисткой Премии Кандинского в 2012 году и номинировалась на нее в 2014, 2017 и 2021 годах. В 2021 году вошла в шорт‑лист премии «Инновация». В 2016 году работа Сафроновой была выбрана для летнего аукциона Бостонского музея изобразительных искусств. Художница входит в рейтинг 49ART и в топ‑100 признанных художников России по версии InArt. Произведения Марии Сафроновой представлены в музейных и частных собраниях, в том числе в Московском музее современного искусства, Новосибирском государственном художественном музее, музее «Эрарта», Центре современного искусства им. Сергея Курехина, Фонде Владимира Смирнова и Константина Сорокина, а также в Музее женщин и детей в Пекине.

Антон Кузнецов (род. 1973, Казань) — художник, включен в топ‑100 признанных художников России по версии InArt. В 2003 году окончил монументальную мастерскую МГАХИ им. В.И.Сурикова, а в 2011 году завершил обучение в Институте проблем современного искусства и Свободных мастерских ММОМА. Участвовал в резиденции MuseumsQuartier 21 в Вене, был номинирован на Премию Курехина (2015), а также на Moscow Art Prize (2021, 2025). Произведения Антона Кузнецова представлены в ведущих музейных собраниях, в том числе в Государственном Русском музее, Московском музее современного искусства, Новосибирском государственном художественном музее, Музейном центре «Площадь Мира» (Красноярск) и Национальной художественной галерее «Хазинэ» (Казань). Кроме того, работы художника входят в частные коллекции в России, Европе и США.

Участники Ресурсного центра «Ясенева Поляна»: Александр Варыгин, Евгений Кузнецов, Галина Ушакова, Любовь Жукова, Татьяна Кочанова, Филипп Плотников, Александр Бурмистров, Юлия Батулина, Егор Плесяк.

О работе
Арт‑объект «Кактус», созданный Марией Сафроновой, Антоном Кузнецовым и подопечными Ресурсного центра «Ясенева Поляна», соединяет природное и рукотворное в выразительном художественном высказывании. В основе работы — живая форма цветка, которая благодаря смальте и керамике обретает черты драгоценности. Керамические цветы на макушке кактуса раскрывают идею расцвета даже в непростых, суровых условиях. Контраст между блеском смальты и матовой керамикой делает образ особенно ярким: так наглядно проявляется встреча естественного и созданного человеком. «Несовершенства» кактуса не маскируются — напротив, они становятся его достоинством, подчеркивая уникальность. В этом заключается смысл символа: бережное отношение к природе и к жизни в целом. Особую глубину проекту придает участие подопечных центра: это пространство совместного творчества, где значим вклад каждого, а сам процесс становится не менее важным, чем итоговый объект.

Реабилитационный центр «Ясенева Поляна» и Добрый музей – инклюзивное пространство Государственной Третьяковской галереи – в рамках проекта «На ощупь» провели совместную программу по созданию серии оммажей к картине «Девочка с персиками» В. А. Серова из собрания Третьяковской галереи.

Добрый музей Третьяковской галереи регулярно проводит социально ориентированные мероприятия: организует мастерские, занятия, кинопоказы, экскурсии на русском жестовом языке (РЖЯ) и другие события для людей с особенностями развития.

В сентябре 2026 года шесть воспитанников Ресурсного центра «Ясенева Поляна» приняли участие в специальной программе. Ребята познакомились с коллекцией Третьяковской галереи на экскурсии, участвовали в творческих практиках, побывали на встречах со специалистами Доброго музея и поработали в мастерских.

Итогом совместного проекта стала выставка «Оммаж и персики», которая прошла в октябре 2026 года в залах Доброго музея Третьяковской галереи под кураторством Юлии Картошкиной — художника и куратора проекта «Говорящая Копия».

Евгений Тимофеев (род. 1983, Душанбе) — междисциплинарный художник, работающий в русле классического перформанса и продолжающий линию Марины Абрамович и Йозефа Бойса. В центре его практики — момент перехода и метаморфозы: как энергия и материя существуют между проявленным и непроявленным состояниями. В 2007-15 годах руководил экспериментальным физическим театром Non Stop Theatre в Санкт-Петербурге, который не раз получал награды международных фестивалей. Тимофеев окончил РАНХиГС (2013) и Московскую школу современного искусства (2023). В 2025 году вступил в секцию научного искусства ТСХР, учился в мастерской Эльдара Ганеева в ЦТИ «Фабрика» и в программе «К-фитнес» в ММОМА. В 2026 году представил ряд перформансов и видеоработ в рамках цикла «Материя времени. Фаза II» и 22-дневную серию видеоперформансов «Моль ИнверсИИ».

О работе
Серия керамических табличек создана совместно с резидентами Ресурсного центра «Ясенева Поляна». На первый план выходит осязание: когда зрение и слух не позволяют полноценно знакомиться с миром, именно оно становится главным каналом опыта. Художник не переводит это знание в слова, а фиксирует его в глине, которая сама хранит память о прикосновении. Каждая табличка рождалась из диалога при первом знакомстве: через жесты, прикосновения и тактильные образы участники искали общую тему. Одни делились любимой сказкой и вместе с художником лепили ее героя, другие передавали ощущение от прикосновения к лепесткам, третьи хотели запечатлеть в глине тихое личное воспоминание. Задачей было не «сделать красиво», а честно ответить на чужое присутствие и доверенную историю. Художник и участники выступают здесь равноправными соавторами.

В рамках проекта было создано 10 табличек. Участники: резиденты Ресурсного центра «Ясенева Поляна» Юлия Батулина, Надежда Селюкова, Елена Можайская, Василиса Пускова, Галина Ушакова, Николай Вохлаков, Тимур Хуснутдинов, Александр Варыгин, Иван Хромов.